Explorando la Instalación

 Fotografía Gladys Calzadilla

¿Cómo describes esta obra?
     Es un reto tomar el espacio internarse en el caos citadino observándolo desde lo alto, para poder ser objetivo en cuanto a las formas que se presentan e involucrar la organicidad del movimiento de los transeúntes. Dependiendo de la hora pico o de poco tránsito, los choques, insultos que se propician sin captar sonido alguno, es la pausa que brinda el semáforo, y el silencio misterioso de la noche. Es en este escenario, donde sólo puedo ser observador sin ser observado, cuando reflexiono, comienzo a dibujar con los materiales de siempre el poliuretano, pero ahora entra el pigmento y se hacen parte del juego. Es pintar en el aire, es involucrar al espectador desde sus sensaciones, es que perciba lo que visualizo, internado en las formas siendo parte de ellas.


¿Cómo se organiza Gladys Calzadilla para desarrollar su obra?
     Parte de la observación y la fotografía digital, lo que capturo en mi andar y desde espacios como terrazas abiertas de centro comerciales, luego escribo mis impresiones al respecto, las sensaciones, las representaciones que percibo las dibujo y hago collages para comprender mis reflexiones desde la forma y el color, por ahora mi paleta de ser muy colorida a quedado reducida a blancos, negros, grises y recientemente introduje cobre, plata, dorado, rojos, azules, verdes y violetas en pequeñas porciones.


¿El rito de crear lo haces a partir del espacio emocional o desde la arquitectura que lo circunda?
     Es muy importante el espacio donde creo la pieza realmente necesito estar en orden y armonía sin que existan interrupciones, es allí donde comienza la obra a solicitar que la trabaje y el coloquio produce aciertos y detiene el proceso cuando así lo requiere. Elijo los materiales los coloco cerca de mí y comienzo a construir desde el instinto, es meditativo. Allí lo emocional, pero es importante hacerlo parte de unos parámetros que me permitan su construcción y lo hagan factible ante el lugar donde pretendo colocarlo.

¿Se planifica la obra o fluye espontáneamente?
     Fluye, existe cierta planificación desde la sistematización del proceso, la búsqueda de información gráfica, la adquisición de los materiales y todo ello es dejado a un lado cuando comienzo a trabajar sólo cuando me detengo y surgen las dudas acudo a la opinión de mis compañeros de la UNEARTE Artes Plásticas, a mis profesores, eventualmente a mi hermana y a María DoPazo una amiga artista muy talentosa.

¿Busca proyectarte sensiblemente, o ha tenido que adaptarse a los cambios naturales, contemporáneos?
     He tenido una línea en mi aprendizaje donde trato de fluir desde mis sensaciones y vivencias pero comprendí que para conectarme con otros humanos deben describirse códigos comunes que permitan que el impacto se produzca, por lo tanto, no es sólo la abstracción de mis sensaciones sobre la forma percibida lo que cuenta, sino el conectar a otros humanos a mi percepción del entorno que habitamos, reflejado en la obra.

¿Qué aporte recibiste de tus padres a la hora de hacer arte?
Mi padre caraqueño cantaba, pintaba desde el instinto, no tuvo escuela al respecto, profesor de inglés graduado de la Universidad Católica "Andrés Bello", mi madre cumanesa psicólogo y dietista graduada de la Universidad Central de Venezuela rechazaba la idea de que me convirtiese en artista plástico, fue muy cuesta arriba sacar mi carrera de Artista Gráfico en la Escuela de Artes Visuales “Cristóbal Rojas”, trabajando y estudiando, desde hace cinco años estoy en el Instituto de Estudios Universitario “Armando Reverón” ahora Unearte Artes Plásticas, es un reto diario, el arte te obliga a revisar constantemente tus procesos y a expresarse desde el mundo del subconsciente, se traducen imágenes en un ejercicio que en mi caso se convierte en objeto.

¿Qué te ha quedado de tu formación plástica recibida? 
¿Qué te demarcaron los Maestros Pedro Terán, Jorge Estrada, Samuel Baroni, Zacarías García, Luis Alarcón, Godoy, María Eugenia Arria, Teresa Gabaldón, Luis Lizardo y Victor Hugo Irazabal?


Pedro Terán siempre dijo que yo era colorista.
Samuel Baroni “Debemos hacer arte para comer y arte para vivir”
Jorge Estrada “Siempre ve más allá, no te conformes”
Zacarías García en medio de su reflexión constante es un ser justo, disciplinado y luchador, me da su ejemplo.
Luis Alarcón me enseño a liberarme de lo rígido en el dibujo.
Cristobal Godoy el dibujo académico nos permite conocer muy bien las formas para luego poder depurarlas a tal grado que las abstraigamos y aún estén presentes, todo requiere investigación, ha sido mi guía en lo referente a llevar la pintura al collage y el collage a la tridimensión.
María Eugenia Arria la simplicidad se logra en el dibujo desde el conocimiento del cuerpo, no sólo en el movimiento desde cada una de las articulaciones, sino desde la reflexión sobre el sentimiento que nos embarga al meditar en ello.
Teresa Gabaldón Es importante ahondar en la experimentación de los materiales hasta que conseguimos técnica.
Luis Lizardo La composición implica ser observador, todo tiene su referente en la historia, nada es nuevo hemos visto tanta información en nuestra vida que es importante detenerse y reflexionar la forma en que los grandes maestros, para la historia del arte, armaban sus composiciones, su línea de dibujo única y cómo se asocia con su pincelada, debemos leer sobre sus reflexiones, valernos de lo descriptivo para verbalizar las escenas que nos planteamos en nuestros escenarios personales al expresarlas.
Victor Hugo Irazabal ha sido mi maestro desde el diseño gráfico hasta la pintura, me ha enseñado la diferencia entre el ser un técnico que complace al cliente manteniendo su opinión como experto a ser un hacedor fluyendo desde mis propias necesidades, conectándome con otros seres vivos desde lo humano, desde lo sensible, observar y sistematizar los procesos hasta que se presenta un problema plástico y darle solución a cada etapa valorando el resultado.

Has pasado por una cantidad de disciplinas técnicas: la cerámica, el dibujo, la pintura, el ensamblaje, lo gráfico, medios mixtos, ¿con cuál de ellas te identificas más?
Siempre es importante experimentar varios medios en el arte contemporáneo no tenemos que casarnos sólo con uno, y eso expande las posibilidades a la expresión plástica.

¿Esa sensación caos ordenado que se percibe en tu obra reciente es una manera de conectarte con tu visión de lo urbano?
Es mi percepción de ese transitar automático del transeúnte ante las rutas urbanas, es un ejercito de autos, y /o personas moviéndose por la ciudad, respetando o irrespetando reglas, sin detenerse, sólo corriendo por llegar de un lugar a otro. Entonces me detengo a observar a aquellos a los que alcanza mi vista, su comportamiento, sus gestos, a veces algunos me captan y se disgustan porque los observo o sonríen. Es inevitable verlos como formas que transitan o se detienen en automático, sin embargo rompen las reglas, no acatan las leyes de tránsito y convivencia en un porcentaje elevado, eso habla de nuestra forma de proceder como seres que desconocen autoridad mas allá de la personal y producen caos. Tal vez porque las reglas no se adaptan a nuestras necesidades.

El texto y símbolos, la espiral, el círculo, el triángulo, el cuadrado y las figuras orgánicas son parte de tu obra en el presente desarrollo, ¿cómo equilibras su complejidad formal?
Eventualmente me topo con algún símbolo o texto en las cajas que metamorfoseo que hacen alusión a lo frágil o reciclable del contenido que poseían y lo dejo como parte de la pieza como elemento de conexión con la necesidad de usar material reciclado, a lo frágil y cambiante de las relaciones cotidianas en el transitar. En cuanto a las figuras orgánicas son conectores entre figuras geométricas que suavizan la rigidez de las mismas porque al observarla a distancia se convierten en líneas continuas desde el inicio hasta el final de cada pieza.
Al construirlas busco equilibrio en la composición e incluso la traslado o elimino si no me funciona, eventualmente me detengo ante la visita de alguien que interactúa o lo hago interactuar con la obra para captar su sensación y continúo armando la pieza con mayor claridad.
Ahora es la estructura la que define la forma base pero el tejido determina otros espacios otras líneas y crea el dibujo escultórico.

¿Cómo liberas la rigidez de la forma, para poder canalizar el impulso artístico que la conforma?
La forma geométrica se confunde entre elementos orgánicos para evitar que sea rígida la composición, pasa a ser dibujo en el aire y hasta se transforma en pintura si se observa a distancia, cuando el espectador juega dentro de ella entonces es una instalación que se integra con la figura del humano que la penetra y cambia en el tiempo cada vez que ello ocurre.

¿Qué esperas del arte?
Crecer desde lo interno, conectarme con lo externo en un armonioso degustar lo sensible, que luego expreso en materiales que me hagan propicia la propuesta en cuanto a espacio, interacción con la obra y evolución.

Con relación a la pintura expuse en el Museo Arturo Michelena de la Pastora una pieza desde noviembre 2009 hasta enero de 2010 y es la abstracción del paisaje aéreo de un espacio de la capital. Caracas.

Desde 2010 hasta la fecha me he dedicado al dibujo escultórico más información en gravitaciones y Redes